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À l'initiative du gouvernement algérien, avec le soutien de l'Organisation de l'Unité Africaine (OUA), le Festival Panafricain d'Alger de 1969 avait pour objectif de rassembler la diversité de l'Afrique dans la capitale algérienne pour célébrer les cultures du continent tout en réaffirmant l'engagement en faveur des luttes anticoloniales. Ce Panaf fut véritablement une belle utopie.

Bien que pluridisciplinaire et résolument politique, le festival accorda une place centrale à la musique au sein de ses manifestations. La foule enthousiaste a pu découvrir des spectacles de rue mettant en scène danses et chants traditionnels venus des quatre coins de l'Afrique, ainsi que des artistes internationaux africains et de la diaspora, tels que Nina Simone, Barry White, Archie Shepp, Lester Bowie, Hank Mobley, Joe Jones, et bien d'autres.Durant ces dix jours de l'été 1969, Alger s'est enflammée. De nombreux Algériens évoquent encore cet épisode avec une euphorie non dissimulée et une nostalgie palpable. 

Le festival continue de nourrir l'imaginaire collectif et de susciter des débats passionnés, en grande partie grâce au documentaire éponyme réalisé par le cinéaste franco-américain William Klein, qui a immortalisé le souvenir du Panaf dans nos mémoires.Ce qui devait à l'origine être une simple commande pour capturer les moments clés de l'événement s'est transformé en une œuvre culte, un film-essai dans la tradition du cinéma soviétique du siècle dernier. William Klein a su saisir l'atmosphère du Panaf et nous replonger dans le contexte politique de cette époque, marqué par les luttes anti-impérialistes.

« Jazz is an African power »

C'est lors du Panaf 69’ que l'imagerie forgée par le gouvernement algérien, celle de l'Algérie en tant que « Mecque des Révolutionnaires », a pris tout son sens. »Cette image a été renforcée par la participation de plusieurs mouvements indépendantistes africains, tels que la South-West African People’s Organisation (SWAPO) de Namibie, le Parti Africain pour l'Indépendance de la Guinée et du Cap-Vert (PAIGC) dirigé par le charismatique Amilcar Cabral, le Mouvement Populaire de Libération de l'Angola (MPLA), le Fatah (Mouvement de Libération de la Palestine), ainsi que le mouvement révolutionnaire de libération afro-américaine des Black Panthers, qui cherchait à renouer avec le continent d'origine. Ils ont tous inscrit leur participation dans un prisme axé sur la dualité politique et culturelle. Eldridge Cleaver, ministre de la Communication des Black Panthers, a déclaré : « L'africanité doit éviter une expression complaisante et stérile du passé, mais plutôt s'efforcer d'innover, d'adapter la culture africaine aux exigences modernes du développement économique et social harmonisé. »

La militante anti-apartheid Miriam Makeba, qui était l'épouse de Stokely Carmichael, un autre membre influent des Black Panthers, était également présente. Elle a interprété son hymne à la liberté « Ana hora fil Djazair » (Je suis libre en Algérie). Exilée en Guinée en raison de ses positions contre le régime de l'apartheid en Afrique du Sud, elle a obtenu la nationalité algérienne lors de ce festival et a continué à parcourir le monde pour défendre la cause de Nelson Mandela, incarcéré depuis le 5 août 1962. 

Un autre moment marquant du festival a été la déclaration solennelle d'Archie Shepp, le jazzman : « le jazz est une puissance noire, le jazz est une puissance africaine ! ». Accompagné sur scène par des musiciens algériens, il a plus tard témoigné de l'intensité de ce moment en tant qu'Africain de la diaspora.Le festival a également donné naissance à une riche production musicale, capturée pendant et après l'événement. Parmi les enregistrements notables figurent la trilogie de musiques traditionnelles capturée par l'ethnomusicologue Roberto Leydi, intitulée "African Rhythms and Instruments" Vol I, II et III (Lyrichord), ainsi que plusieurs disques enregistrés à Paris dans les mois qui ont suivi le Panaf. Au total, douze albums ont été produits par le label BYG/Actuel. Archie Shepp lui-même a enregistré non pas un, mais trois albums à quelques jours d'intervalle : « Yasmina », « Poem for Malcolm » et « Blasé », ce dernier étant considéré par beaucoup comme le plus abouti des trois. On trouve également l'album « Ketchaoua » de Clifford Thornton, en référence à la mosquée Ketchoua située dans le quartier historique d'Alger où il a donné un concert lors du Panaf, ainsi que l'album "Hommage to Africa" (1970) de Sunny Murray.

Initié à une époque charnière de l'histoire de l'Afrique, le Panaf 69' a profondément marqué les esprits et demeure l'une des plus grandes manifestations panafricaines de l'Algérie. Cet événement fédérateur a abouti à la rédaction du Manifeste Culturel Panafricain lors du symposium du festival, articulé autour de trois axes : les réalités de la culture africaine, le rôle de la culture africaine dans les luttes de libération nationale et dans la consolidation de l'unité africaine, ainsi que le rôle de la culture africaine dans le développement social de l'Afrique.Une seconde édition du Panaf a été tentée en 2009, dans l'espoir de raviver l'esprit du Panaf original, mais en vain.

La Libye jouit d’une grande diversité culturelle, de ce fait, ces musiques traditionnelles sont l’expressions de cette grande richesse. Segmentées en fonction des épicentres citadins, des spécificités ethniques (amazigh, arabe, toubou) ou encore des influences antiques, ces musiques traduisent la complexité des substrats séculaires du pays.

Cet article a pour ambition de lever le voile sur un pays qui a demeuré si longtemps hermétique

Merksawi (région oasienne du Mourzouq)

Le répertoire Merksawi prend racine dans l’oasis de Mourzouq au sud-ouest de la Libye. Véritable carrefour ethnique et culturel, l’oasis abrite des populations diverses comme les toubou, les arabes, les amazigh touaregs et Ahali (descendants d’anciens esclaves subsahariens) Ainsi, le Merksawi cristallise toutes ces cultures et se veut sa synthèse et son amalgame. Calqué sur une métrique arabe, le Merksawi débute avec un mawal (prélude) et se poursuit en combinant plusieurs instruments de musiques comme la ghaita et zemara (instruments à vent), mais aussi la derbouka, taghanimt et le bendir (percussions). Cette musique populaire est très appréciée lors des mariages et célébrations populaires. Le Merksawi quitte son oasis pour migrer vers Benghazi où il devient très populaire.

Répertoire Keleli (des toubou)

Le répertoire Keleli est centré sur l’instrument de prédilection (du même nom), emblème des toubou, ce peuple agro-pastorale appartenant à la famille nilo-saharienne qui sont surnommés « ceux qui jouent du keleli », c’est dire l’importance de ce luth Toubou au sein de la cosmogonie de cette communauté dont la musique est vécue comme un vecteur identitaire. Même si le jeu du keleli est nettement distinct de ses homologues maures et touaregs, son imaginaire reste néanmoins ancré dans l’espace saharien. Originellement instrumentale et obéissant à des conditions sociales rigoureuses, cette musique a muté pour aboutir à un style nouveau mêlant plusieurs registres musicaux toubou où l’on y chante l’amour, l’absence, les rixes et les Gestes des conquérants et seigneurs.   

Maalouf de Tripoli  

Le Maalouf est un sous genre de la musique andalouse, survivance et héritage multiséculaire morisque de la péninsule Ibérique musulmane et dont la tradition a perduré après la chute de l’Andalousie (XVe siècle) et avec l’arrivée des réfugiés morisques dans les centres citadins de l’Afrique du Nord et la ville de Tripoli demeure l’un de ces foyers. Ce sous genre andalou est attestée également en Tunisie et dans le Constantinois (l’est algérien) mais il existe très peu de données comparatives sur les points divergents et convergents de ces trois pays. Considérée comme la musique la plus savante de la Libye, le Maalouf est resté longtemps limité au registre religieux. Il faut attendre 1964 pour assister á la formation du premier ensemble grâce à l’initiative de l’académicien, musicien et musicologue Hassan Uraibi redonnant ainsi à ce genre musical ses lettres de noblesses et son caractère savant.

Ghenawi Rha  

Littéralement, « les chants de la meule », en référence à l’usage de la meule comme musique de fond, autrefois, seul instrument qui accompagne la voix de la soliste. Ce genre musical populaire est lié à Al Bayda, une des plus importantes et antiques villes de la région du Cyrénaïque. Nombreuses chanteuses se sont distinguées dans ce registre dont l’artiste Mariam Elssafi. La jeune artiste propulsa le genre á l’échelle national tout en préservant le répertoire et introduisant des instruments de musique tel que le luth ou encore le violon.  

Zokra (musique bédouine)

Cet art est lié principalement aux populations bédouines du sud du pays et demeure une des musiques traditionnelles les plus identitaires de la Libye. La Zokra est une cornemuse, appelée dans certaines régions ghaita, terme qui renvoie, également en Afrique du nord à une sorte de hautbois analogue à la zurna en Turquie. Nous retrouvons également ce genre dans l’Oasis du Ghat, au sud-ouest de la Libye où il est pratiqué par les populations touarègues lors des mariages et célébrations communautaires. Fait singulier, étant donné qu’il ne s’agit pas d’un instrument associé aux touareg. Il existe très peu de travaux sur ce genre à l’exception des enquêtes de l’ethnomusicologue et spécialiste des musiques sahariennes qui récolta plusieurs chants populaires du sud libyens entre les années 70’ et 90’.  

Srewa ( région du Fezzan)

Le Srewa ou Sreva est un répertoire oasien, ce sont des chants qui accompagnent le labeur des femmes oasiennes touaregs constituent un des fondements majeurs de l’imaginaire collectif des oasis du sud libyen. Les chants et répertoires liés à l'activité agro-pastorale est une pratique que nous retrouvons dans plusieurs pays et populations saharo-saheliennes. Chaque région conserve son imaginaire, ses codes et rythmes autotélique tout en obeissant à la même logique et dialectique : rendre le travail de la terre plus plaisant. Le Srewa, joué au tazmart (flûte à 4 trous), est souvent accompagné de danses collectives. On y distingue le sous genre Tamalak-oeit, un répertoire dont les protagonistes sont les enfants. En 1999, les travaux de collecte du musicien libyen Mebarki Rhamy Mohamed ont donné naissance au disque Chants des Oasis (12 STEP RECORDS).  

Enregistrée dans le cadre de la collaboration entre l’agence de production Tartine et les spécialistes du son alternatif Pure Capture, la chanson inédite de l’artiste franco-algérienne Djazia Satour « Zintkala », réalisée dans la forêt de Brocéliande, est une excellente entrée en matière pour nous faire plonger dans l’univers de l’artiste. Dans cet entretien, Djazia revient sur son parcours et cette expérience riche en émotion.

Bonjour Djazia, vous chantez depuis plus d’une décennie, un petit mot sur toi pour nos lecteurs.

Je suis née en Algérie, bercée et nourrie, très jeune, par plusieurs univers musicaux qui vont de la pop, au châabi algérien, de la variété française aux classiques de la chanson arabe. Des artistes comme le syrien Sabah Fakhri ou encore Renaud et Elvis Presley ont marqué mon enfance. Quand je suis arrivée en France à l’âge de dix ans, j’ai très vite eu l’envie de chanter. Ma passion pour la musique s’est convertie en besoin vital et essentiel comme un moyen de s’ancrer dans une continuité affective et de préservation d’une identité. Après mes débuts en tant que choriste dans la formation Gnawa Diffusion, j’ai vécu ma première expérience réellement personnelle au sein du groupe trip-hop électro MIG, en tant que compositrice et interprète, avant d’entamer ma carrière solo. (Rires- peut-on qualifier une carrière musicale de solo ?). C’était il y a dix ans au cours desquels j’ai sorti trois albums dont le dernier Aswat en 2018, un disque que je vis comme un retour aux sources avec un hommage que j’ai voulu rendre aux instruments emblématiques du chaabi algérien comme la mandole, le banjo, le tar et bendir (instruments à percussion).

Aswat semble un album très intimiste, tu confirmes ?

C’était aussi pour moi l’occasion d’aborder, en adoptant entièrement un chant en arabe, des thèmes plus graves tels que ceux de la dépossession, de l’exil et de l’errance, inspirés par le vécu des réfugiés, des migrants, de ces jeunes « harragas » du Maghreb qui rejoignent l’Europe en affrontant la mer au péril de leur vie. Je dédie également dans cet album, deux chansons aux Palestiniens qui vivent un exil sur leur propre terre, soumis à la violence extrême de l’État d’Israël.

Une bien triste histoire se cache dernière ta chanson inédite, « Zintkala », peux-tu nous en parler ?

Zintlaka est une chanson écrite en hommage aux peuples autochtones victime du génocide colonial, notamment sur le continent américain. J’y prends comme figure emblématique Zintkala Nuni (Lost Bird), rescapée à l’âge de 4 mois du massacre de Wounded Knee commis par le 7e régiment de cavalerie américain,  le 29 décembre 1890, dans lequel 400 Sioux Lakota, hommes, femmes et enfants, sont morts sous la mitraille. Seule survivante, retrouvée dans les bras de sa mère morte, elle est recueillie par un soldat américain comme un trophée. Déracinée, livrée à une société blanche qui la persécute et la marginalise, elle a mené une vie brève passée dans la souffrance et la maladie. Mais un siècle après avoir été séparée des siens, ses restes ont été inhumés à leurs côtés sur les lieux mêmes du massacre. C’est cette séparation et ce retour qui sont bouleversants. Au-delà de la mort, un espoir s’est réalisé.

Pourquoi avoir choisi un personnage, un lieu et un peuple éloignés géographiquement et culturellement de ta réalité ?

Le drame de la dépossession et de la violence coloniale est le même sous toutes les latitudes et dans toutes les périodes de l’Histoire. J’ai grandi avec le souvenir qu’on m’a transmis du colonialisme français en Algérie et de la lutte de libération. Ce genre de domination s’accompagne toujours d’une volonté d’anéantissement des peuples autochtones. Les Amérindiens l’ont subie d’une manière brutale qui n’a pas d’équivalent. Ils ont été les premières victimes de la volonté occidentale d’asservir le monde. Mais ils ont été les premiers à donner l’exemple de la résistance à la dévastation du monde, dont les effets catastrophiques rejaillissent aujourd’hui sur l’humanité toute entière. Traités comme des sauvages par la modernité occidentale, ils apparaissent aujourd’hui comme la civilisation authentique qui a été sacrifiée à la barbarie. Leur histoire tragique acquiert ainsi une portée universelle et Zintkala Nuni en est, par sa fragilité et son humanité même, l’une des héroïnes les plus emblématiques.

Peux-tu nous parler de cette expérience avec Pure Capture ?

La vidéo de la chanson « Zintkala » a été tournée à l’initiative de Tartine Production et Pure Capture en partenariat avec Radio Nova et Music In Africa*. Tartine et Pure Capture m'avaient proposé la forêt de Brocéliande comme cadre de tournage. La proposition me paraissait cohérente, intéressante, l’esprit dans lequel la chanson a été composée pouvait s’accommoder de ce lieu où le mythe rejoint l’histoire et le sublime. Cela a été l’occasion de présenter la chanson telle qu’elle venait d’être composée et n’avait pas encore été éditée et nous a permis de lui donner une première forme. J’ai beaucoup aimé le concept de live musique. Étant familière avec l’acoustique, l’idée de prendre quelque chose sur l’instant m’a séduite. La chanson sera prochainement enregistrée, elle aura sans doute une autre forme musicale.

Initialement publié sur https://www.musicinafrica.net/fr/user/154059/article-contributions

Le documentaire La rockeuse du désert dresse le portrait de Hasna el Becharia, l’emblématique doyenne des gnawa femmes en Algérie. À travers ce biopic musical, Sara Nacer, la cinéaste algéro-canadienne, nous livre un récit intime aux résonances venues du désert algérien.

Primé au festival Vues d’Afrique, édition 2022, le documentaire est le fruit d’une décennie de travail immersif dans l’univers de Hasna el Becharia, première adepte femme gnawi (genre musicale nord-africain à caractère ésotérique et confrérique des communautés d’origines subsahariennes) à avoir fait évoluer le gerne extramuros et á avoir manipulé le gumbri, un instrument réservé qu’aux hommes initiés. Hasna, par cette transgression, repousse les diktats exercés sur elle en tant que femme de la communauté gnawi.

« Ce fut un véritable coup de cœur, elle a une aura incroyable et surtout, une incroyable présence sur scène, j'ai vraiment eu la chance de bien la connaître au fil du temps notamment en la produisant au Canada en 2013 et 2014. D'ailleurs, le tournage du film a commencé lors de cette tournée canadienne. » nous confie Sara Nacer

Le documentaire aborde des sujets comme le patriarcat, la résilience ou encore le féminisme. Ce dernier est l'un des thèmes centraux du documentaire qui met l’accent sur la difficulté d’être une artiste dans des sociétés rétrogrades et conservatrices. Il s’agit en ce sens d’un féminisme forgé au gré de l’expérience de l’artiste, exempt d’intellectualisation comme le souligne la réalisatrice et ajoute, en ce sens « Cela [nous] rappelle un peu le caractère et l'essence matriarcale de notre africanité. » En effet, Hasna ouvre le bal et montre la voie pour de nombreuses femmes. Si de nos jours, nombreuses sont les artistes femmes issues du milieu fermé du gnawa qui se produisent sur scène, ce n’était guère chose répandue il y a quelques décennies.

« Mon père m’interdisait de toucher son gumbri, il m’était totalement interdit de m’en approcher. J’en ai donc fabriqué un, toute seule, avec tous ses éléments. [ ] mon père était à l’étage. Il ne pouvait pas m’entendre. J’avais peur qu’il m’attrape et il me tue » révèle Hasna el Bacharia devant la caméra de Sara Nacer.

Maniant avec virtuosité aussi bien le gumbri que la guitare électrique, Hasna animait les fêtes de mariages dans son oasis natale. En 1999, elle est invitée à se produire au Cabaret Sauvage, dans le cadre du festival Femmes d’Algérie. Débute dès lors sa carrière professionnelle. La consécration tombe avec l’album Djazaïr Johara (l’Algérie cette Perle) sorti en 2002. Le public algérien découvre une diva au caractère bien trempé et au verbe acerbe. Le documentaire énonce plus de vingt ans d’archives de l’artiste, de son enfance à son installation en France. Après avoir pérégriné dans plusieurs festivals, Sara Nacer espère et aspire à montrer son documentaire au public algérien en présence de Hasna. Le documentaire ne sera pas disponible sur les plateformes de distribution avant au moins une année précise sa réalisatrice. 

Jeudi 11 aout dernier, la ministre de la Culture et des Arts, Soraya Mouloudji a annoncé l'installation de la Commission Nationale chargée de l'élaboration du projet de loi relatif au statut de l'artiste en Algérie, et ce dans le cadre de sa démarche de soutien et promotion des arts et rayonnement culturel.

Présidée par le directeur du Conseil National des Arts et des Lettres (CNAL) au ministère, M. Missoum Laroussi, la commission sera composée de sept membres issus de divers secteurs, institutions et départements ministériels dont M. Abdelkader Bendaamache, directeur de l'Agence algérienne du rayonnement culturel (AARC). Le plan d’action de la Commission Nationale s’articulera en deux phases axées sur une période de consultations et une seconde phase de présentation des conclusions des travaux en vue de la mise en place du projet relatif au statut de l’artiste. Cette démarche intervient dans un contexte marqué par plusieurs réformes, à savoir la mise en place de procédures relatives au financement et l’appui du secteur de la culture mais aussi la suppression du Fond National pour le Développement des Arts et des Lettres (FDAL) qui, rappelons-le, a financé, entre 2015 et 2019, dans la catégorie musique 52 133 projets. Ainsi, force de constater que l’Algérie entend doter les artistes d’un statut concis et éligible pour la mise en place d’un contexte favorable à la création, mais aussi l’épanouissement socioprofessionnel. Dans une déclaration, M. Laaroussi une estimation de 13.418 cartes d’artistes délivrées depuis la création du Conseil national des arts et des lettres (CNAL). Il est à préciser que la validité de la carte est de cinq années renouvelables et qu’elle concerne 180 métiers des arts.

"L'opération d'octroi de la carte d'artiste (électronique) est en cours", et que cette carte "offre de nombreux avantages comme l'assurance, la retraite, l'investissement culturel et la création des établissements artistiques en bénéficiant du soutien et de l'accompagnement de l'Agence nationale d'appui et de développement de l'entrepreneuriat (ANADE)» précise la déclaration de M. Laaroussi.  

Il est primordial de (re) penser les politiques culturelles en Afrique, en plaçant l’artiste au cœur de cet écosystème. « La culture comme levier de développement durable et de renforcement de la cohésion au sein des sociétés » figure parmi les thématiques abordées par La Convention de l’UNESCO de 2005. La corrélation de culture et développement durable est plus qu'une option, une nécessité. 

Basaou chords est la nouvelle collaboration multi artistes qui met à l'honneur Bassaoud Zoubir, un artiste de Timimoun, de la région oasienne excentrée de la capitale algérienne. Actif depuis plus de trente ans, Bassaoud est resté cet artiste local qui anime des soirées pour touristes. La collaboration pose, ainsi, les jalons d’une nouvelle perspective de carrière pour lui.

L’aventure a commencé quand une bande de copains, munis de matériel audiovisuel, programme une virée dans le désert algérien. De fil en aiguille, une feuille de route a été tracée. Après trois semaines de résidence, le projet Basaou est né réunissant plusieurs artistes professionnels : Nazim Bakour à la guitare électrique, Rafik Kettani (percussions) et Adnan Benaouicha à la basse. Ils accompagnent Bassaoud et ses deux choristes Lahacen & Houcine Kradou aka Les Frères Kradous.

« Bassaoud et ses musiciens ont, pour la première fois, fait connaissance avec le monde de l’enregistrement studio pour se rapprocher du cadre de la production professionnelle et ses différentes étapes. » explique le musicien Adnan Benaouicha.

Auto-produit, le projet, dont plusieurs live sessions ont été tournées à Timimoun (sud-ouest algérien), met à l’honneur la culture zénète, une culture berbère ancrée dans son africanité et révélée à l’universalité grâce aux travaux du chercheur Mouloud Mammeri sur la musique du Ahalil, une musique polyphonique traditionnelle classée patrimoine mondial de l’humanité de l’Unesco en 2005. L’Ahalil ainsi que l’ensemble des corpus d’Izlwen (chants) de la région demeurent peu médiatisés et leurs détenteurs invisibilisés.

« Aussi longtemps que je me souvienne, j'ai joué de la musique. J'avais 10 ans quand j'ai touché à mon premier instrument de musique. C'est à partir des années 90' que j'ai commencé à me produire face à un publique. Basaou chords est pour moi, une consécration. Je peux enfin envisager une carrière dans la musique. Cela reste difficile, je n'ai pas encore obtenu ma carte d'artiste mais je m'accroche. » confie Bassaoud. 

Il est difficile de vivre de son art lorsqu’on est musicien en Algérie, encore plus difficile de se professionnaliser quand on habite à 1200 km de la capitale. L’accès à l’information, au réseautage, l’obtention de la carte d’artiste et la production dans un environnement numérique constituent un véritable handicap. Dans des zones touristiques sahariennes, où la musique se pratique encore de manière traditionnelle lors des fêtes, célébrations et communions, seuls les spots et lodges dédiés aux touristes permettent aux musiciens de se produire contre un modeste cachet. Le premier album du collectif qui s’intitule Tazwert (Introduction) est en cours de préparation.

60 minutes, 7 danseurs et une chanteuse live, tel est le pari fou que s’est lancé la compagnie de danse Kif-Kif Bledi avec le spectacle Amazigh Vortex qui fusionne danses amazighes nord-africaines, danses clubbing et d’inspiration hip hop.

« 2972, est-ce la fin du monde ? La diaspora amazighe est éclatée aux quatre coins du globe. Pour tenter de sauver la planète, des résistants réunissent leurs forces et pouvoirs en se basant sur leur héritage amazigh ». Inspiré de la mythologie nord- africaine, le spectacle futuriste Amazigh Vortex oscille entre métachronisme, ellipse, parallélisme et réalités contemporaines. Il aborde des sujets contemporains comme l’immigration, la double culture de la diaspora africaine au sein de la société française ou encore les séquelles liées à la colonisation. Le Vortex symbolise les traumas tant sur le niveau individuel que collectif.

« Ayant baigné dans mon enfance dans l'univers des Comics, j'ai écrit ce spectacle en utilisant les mêmes codes que les grosses productions de films sur les super-héros car je considère que les personnages nord-africains sont quasi inexistants dans ce type de productions, ou cantonnés à des "méchants". » explique Raïssa Leï et ajoute en ce sens « La culture amazighe est pleine de personnages mythologiques comme Anzar, Dieu de la pluie, dont le personnage Kalizar est inspiré. Nos super-pouvoirs sont liés aux héritages directs : Maura puise son pouvoir des végétaux et de son abdomen, Remla du sable, Afellan de ses cheveux bouclés, Ifri de pouvoirs télépathiques mêlés aux réseaux informatiques, Raïssa de ses épaules en tant qu'héritière de tribu guerrière et Elysha maîtrise l'art du bâton du Tahtib. »

 Basée à Paris, la compagnie Kif-Kif Bledi est spécialisée dans les danses alternatives d'Afrique du Nord et du Moyen-Orient. Créée en 2017 par la talentueuse marocaine Leïla aka Raïssa Leï, la fondatrice, chorégraphe et directrice artistique de la troupe qui œuvre depuis des années à décoloniser les danses traditionnelles qui ont trop longtemps souffert d’appropriation culturelle et d’orientalisme. La compagnie propose des prestations diverses, à l'international : représentations en théâtres, festivals, animations privées, stages, workshops à la carte d'initiation de plusieurs danses comme le Chaabi, Ahwah, Reggada (Maroc), Allaoui, danse Kabule (Algérie), Fezzani, El Nakh( Tunisie), Dabke libanais ou encore le Roman Havasi turc, ainsi que des conférences et talks pour la promotion des cultures arabo-amazigh et levantines. Pour le spectacle Amazigh Vortex, Raïssa Leï s’entoure d’une talentueuse équipe technique et artistique de la diaspora nord-africaine comme Cheb Runner (Maroc) aux platines puisant dans des sonorités traditionnelles telles que le ribab, le guembri, des rythmes de musiques raï et chaouies, du mezoued tunisien, avec des sons électro et house et Manel Layla (Algérie) qui pose sa voix suave pour un voyage cosmique et contrasté. Les créations visuelles sont signées Syncretical et Illustradil (Maroc), les costumes sont du créateur Zino (Algérie). Amazigh Vortex, en plus de son aspect ludique et divertissant, se veut résolument politique et social en mettant l’accent sur l’invisibilité des cultures africaines du champ artistique et audiovisuel français.

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Mariem Hassan est sans conteste la plus emblématique des voies sahraouies qui porta haut les revendications du Sahara Occidental à l’universalité. Aujourd’hui, nous commémorons la 7e année de sa mort suite à une longue maladie qui l’emporta le 22 aout 2015. Music In Africa lui rend hommage en chansons.

« El Chouhada » (Les Martyres)

Après plusieurs collaborations, l’album Deseos, que l’on peut traduire par désirs ou souhaits - (sorti en 2005 ), marque le début de la carrière solo de Mariem Hassan. En cette année charnière pour le peuple sahraouis. L’artiste réaffirme son engagement pour l’indépendance de son pays.« El Chouhada » (les Martyres) est un hommage à ses trois frères tombés au champ de bataille. 

« Latamchu ani » (Ne partez pas)

Publié chez Nubenegra Records, « Latamchu ani » apparait dans l’album Deseos et traduit son désir de vivre après que le diagnostic de son cancer du sein. Accompagnée de son fidèle ami Baba Salama à la guitare électrique, elle nous livre avec ce titre un bues brut éthéré, vaporeux et empreint de spleen comme savent si bien le faire les gens du désert.

« Kalat leili » (J’ai dit Ö Amour !)

En honneur à une longue tradition lyrique de la culture hassani qui s'est construite sur des rythmes africains associés à une métrique arabe classique évoquant des thèmes traditionnels comme les louanges panégyriques, la geste tribale ou encore l’amour courtois.  « Kalat leili » est composé sous forme de joute verbales entre deux amants. On y chante l’amour, le désir et l’absence du bien aimé.

« El Ambar » (l’Ambre) 

Extrait de Medej- Contes antiques Sahraouis (Nubenegra Records 2004), un album multi interprètes qui réunit cinq talentueuses voix du Sahara Occidental. Mariem y accompagne son compatriote Nayim Allal au tbal (instrument à percussion) et au chant dans le titre « El Ambar » qui se veut une ode à l’amour qui met à l'honneur l’ambre, cette résine odorante à laquelle on prête des propriétés aphrodisiaques, qui à l’instar du henné ou encore la cérémonie du thé, constitue l'un des éléments de l’art de vivre sahraoui.

« Shouka » (l’Épine)

Sorti en 2010, Shouka est le troisième album de Mariem Hassan. Alliant plusieurs rythmes saharouis, l’album a été salué par la critique. On y retrouve tous les ingrédients qui ont fait son succès : la puissance de sa voix et son réinterprétation personnelle des genres traditionnelles comme El hawl ou encore el Azawan. Le titre éponyme se veut une réponse à l’homme politique espagnol Felipe González, en reprenant des bribes du discours qu’il a donné en 1976 dans les camps de réfugiés sahraouis en Algérie. Retrouvez la musique de Mariem Hassan sur plusieurs plateformes d'écoute.

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